„Red (Taylor’s Version)“ macht einen Klassiker noch besser

„Red (Taylor’s Version)“ macht einen Klassiker noch besser

Das Wichtigste zuerst: Kommen wir zum Ende. Die lange verschollene 10-minütige Originalversion von „All Too Well“ entpuppt sich als noch besser, als wir alle gehofft hatten. Taylor Swift nimmt ihr eigenes Meisterwerk, zerreißt alles, bricht es wie ein Versprechen, zerfetzt ihren Wandteppich und baut es zu einem neuen Herzschmerz-Epos um, doppelt so lang und doppelt so verrückt. Ja, Sie haben Taylor gerade die Worte „Fuck the Patriarchy“ singen hören. Ja, Sie haben gerade zusätzliche Verse darüber gehört, dass dieser Typ ihren Vater trifft und ihre 21. Geburtstagsfeier auslässt. Ja, ihr größtes Lied wurde gerade größer. Nein, dir geht es überhaupt nicht gut.

Seit Swift bekannt gegeben hat, dass sie Red (Taylor’s Version) fallen lässt und ihren Klassiker von 2012 neu auflegt, ist die Vorfreude groß. Und da sie sich darauf spezialisiert hat, das Unmögliche zu tun, hat sie hier noch eine weitere verrückte Idee zum Leben erweckt: Das neue Rot ist noch größer, glänzender, tiefer und beiläufig grausamer. Es ist die ultimative Version ihres herrlich ehrgeizigsten Mega-Pop-Manifests.

Red ist das zweite Kapitel ihres Taylor’s Version-Projekts nach Fearless, das ihre alten Alben neu aufnimmt, obwohl sie gerade ihren heftigsten kreativen Höhepunkt erreicht und 2020 zwei ihrer größten Alben herausbringt. Nichts in dieser Größenordnung wurde zuvor versucht. Das ist ein Sprung, sogar von dem Mädchen, das das ganze Konzept von Never Looking Down erfunden hat.

Das neue „All Too Well (Original Version)“ fasst Swift von ihrer besten Seite zusammen. Der Legende nach war dies der Rohentwurf, bevor sie ihn zurechtgeschnitten hat, jetzt endlich in einer richtigen Studioaufnahme mit Jack Antonoff. Aber jedes emotionale Detail trifft zu. Sie geht tiefer in die Geschichte ein, macht ihrem Kummer und ihrer Wut Luft und wird so wild, dass „Dear John“ wie „I Will Always Love You“ klingt. Sie schlägt härter auf den Altersunterschied ein und höhnt: „Ich werde älter, aber deine Liebhaber bleiben in meinem Alter.“ Sie zitiert Shakespeares All’s Well That Ends Well, sieben Jahre bevor sie diese Referenz in „Lover“ auslöscht.

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Als der Typ um Mitternacht zu ihrem Geburtstag nicht auftaucht – eine Geschichte, die sie bereits in „The Moment I Knew“ und „Happiness“ erzählt hat – versucht ihr Vater, sie aufzuheitern. Dies ist das erste Mal, dass sie ihn in einem Lied zitiert – er sagt ihr: „Es soll Spaß machen, 21 zu werden“ – und es ist ein herzzerreißender Moment. Nicht zum ersten Mal ertappst du dich vielleicht dabei, wie du Tay anflehst, langsamer zu werden und dir eine Minute Zeit zu geben, um dich zu erholen, aber sie stürzt voraus, weil sie keine Gnade kennt. In den letzten Minuten fragt sie in einer neuen Coda: „Did the twin flame blueise painted you blue?/Nur unter uns, hat die Liebesaffäre dich auch verstümmelt?“

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Es ist unglaublich, dass sie das bis jetzt nicht veröffentlicht hat. Aber es ist unglaublich, dass es überhaupt existiert. Es ist der passende Höhepunkt für Red (Taylor’s Version) – 30 Tracks, der ursprüngliche 16-Song-Red, aufgemotzt mit B-Seiten und Vault-Outtakes, alle mit mehr Wumms und Details in der Produktion überarbeitet. Die neue Ausgabe dauert genau 131 Minuten, und wenn Sie glauben, dass diese Zahl ein Zufall sein könnte, holen Sie auf.

Red war ihr größtes Album und schien dazu bestimmt zu sein, diese Krone für immer zu tragen – bis Folklore und Evermore auftauchten. (Das sind ihre Top 3 – aber warte, was ist mit Speak Now? Ein Argument für einen anderen Tag.) Hier bewies sie sich nicht nur als die beste Pop-Songwriterin ihrer Generation, sondern als eine der Alltimer. Red war nicht ihr erstes Meisterwerk, aber es hat das Swiftian-Universum zu einem Ort gemacht, an dem jeder verlorene Schal eine tickende Zeitbombe ist, die Jahre dauern kann, bis sie in einen klassischen Song explodiert.

Die Herausforderung von Red (Taylor’s Version) bestand darin, ein nicht verbesserungsfähiges Original neu zu machen. Man könnte über die Reihenfolge streiten – das hart rockende „Holy Ground“ hätte vielleicht besser auf Platz zwei hinter „State of Grace“ gepasst, wo es auf der Setlist der Red Tour stand, aber das ist eine Spitzfindigkeit bei so einer absurden Sache perfektes Album. Versteckte Schätze wie „I Almost Do“ oder „Sad Beautiful Tragic“ wären Karrierehöhepunkte für fast jeden anderen, aber hier werden sie von noch erhabeneren Melodien überschattet. (Nicht einmal Swift scheint sich um „Sad Beautiful Tragic“ zu kümmern, was sie kaum jemals live gemacht hat, aber einige von uns werden auf diesem traurigen, schönen und tragischen kleinen Hügel sterben.)

Aber wie auf Fearless verleiht ihre erwachsene Stimme diesen Songs neue Kraft, besonders in tiefen Cuts wie „Come Back…Be Here“ und „The Moment I Knew“. Es klingt anders, „Holy Ground“ zu hören, gesungen von dem Taylor, der später „Cornelia Street“ und „Coney Island“ geschrieben hat. Und es ist ergreifend zu hören, wie ihre Stimme in den Dreißigern zu „Begin Again“ zurückkehrt, der Ballade, die das Album mit einer Note zerbrechlichen Optimismus beendet, als ob sie das Kühlschranklicht am Ende des Tunnels sieht. In „Wir kommen nie wieder zusammen“ knurrt sie etwas giftiger „vertrau mir“ – was möglicherweise darauf zurückzuführen ist, dass sie weitere 9 Jahre lang gehört hat, dass Männer sie bitten, ihnen zu vertrauen.

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„Nothing New“ ist vielleicht der am sehnlichsten erwartete Vault-Song – ein Duett mit der Seelenverwandten Phoebe Bridgers über das Älterwerden mit der Frage: „Wie kann eine Person mit 18 alles wissen, aber mit 22 nichts?“ Es ist eine Geschichte, die sie gut kennen – „Menschen lieben einen Einfallsreichtum“ – und beide können sich auf Texte über das Weinen in deinem Zimmer beziehen. Es ist eine sensible Produktion von Aaron Dessner, meistens nur seine Akustikgitarre mit einer Orchestrierung von Bruder/Bandkollege Bryce. (Hoffentlich bekommen wir ein ganzes Taylor/Phoebe Duett-Album? Produziert von Dessner? Bitte?)

Wir bekommen endlich richtige Swift-Versionen von „Better Man“ und „Babe“, Country-Hits, die sie an andere Künstler verschenkte. „Babe“ war ein Sugarland-Hit von 2018, „Better Man“ ein Hit von 2016 für Little Big Town, aber beide gedeihen mit Swifts Gesangslead. (Dessner produziert „Better Man“, während Antonoff „Babe“ nimmt – haben sie eine Münze geworfen?) „Message in a Bottle“ ist ein Dance-Pop-Zinger, der mit Max Martin und Shellback an dem Tag geschrieben wurde, als sie sie traf; das noch frechere „The Very First Night“ klingt, als wäre es Teil derselben Jetset-Rockstar-Romanze wie „Come Back…Be Here“.

„Ich wette, du denkst an mich“ ist ein rauflustiges Country-Duett mit Chris Stapleton – die Art von Nashville-Hit, die sie mit ihrem zur Schau gestellten Twang hinter sich lassen wollte. Sie ködert einen High-Ton-Ex mit seinen „Bio-Schuhen“ und „coolen Indie-Konzerten“. (2012 bedeutete das wahrscheinlich, dass er den National und Bon Iver sehen würde, bevor sie anfing, mit ihnen zu schreiben.) „Think About Me“ und „Forever Winter“ haben Szenen, die um 3 Uhr morgens spielen, eine Stunde später als ihr üblicher Favorit Zeit, um den Boden auf und ab zu gehen.

„Ronan“ ist ein einzigartiger Song für sie, eine Wohltätigkeitssingle aus dem Jahr 2012, die auf dem Blog einer hinterbliebenen Mutter basiert, die über den Tod ihres 4-jährigen Sohnes an Krebs schreibt. Swift verwandelte Maya Thompsons Blogposts in einen Song (natürlich mit Thompsons Segen) und veröffentlichte ihn zugunsten der Krebsforschung. Sie singt es jetzt mit noch mehr Seele. „Ronan“ ist die Art von Lied, die fast unmöglich zu singen ist, ohne manipulativ zu wirken, aber das macht es zu einer so geschickten Hommage und zu einer Vorlage für die Art von Erzählungen, die sie später in Folklore und Evermore schreiben würde.

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„Run“ ist ein peppiges akustisches Duett mit Ed Sheeran – nicht zu verwechseln mit dem Song von George Strait, den sie einst als Tribut gecovert hat. Sie schrieben „Run“ an dem Tag, an dem sie sich trafen – auf demselben Trampolin, auf dem sie „Everything Has Changed“ schrieben. Alles mag sich in ihrem Leben und ihrer Karriere geändert haben, aber nicht die Tatsache, dass sie wirklich singen wie zwei Freunde, die wissen, wie man einander zuhört.

Sie hat diese Geschichten im Laufe der Jahre immer wieder erzählt, sodass die Songs neue Dimensionen annehmen. „Sad Beautiful Tragic“ spielt mit „All Too Well (Original Version)“, das auch den Ausdruck „Liebesaffäre“ melkt. „The Lucky One“ fühlte sich teilweise immer wie eine Hommage an Britney an (Taylor hat „Lucky“ live gecovert), aber in der Free-Britney-Ära trifft es anders zu, besonders Zeilen wie „Du fühlst dich nicht hübsch, du fühlst dich nur benutzt.“ (Red kommt am selben Tag heraus, an dem Britney aus ihrer Konversation herauskommen könnte, was das Seltenste der Dinge wäre, ein Zufall, den Taylor nicht geplant hatte. Aber es wäre ein verdammt cooler.) Das akustische „State of Grace, ” immer ein Highlight des erweiterten Rot, fühlt sich jetzt noch herbstlich an.

Unnötig zu erwähnen, dass Swift dies nicht tun muss. Das Remake der Oldies ist die Art von Projekt, das Sie mit jemandem in Verbindung bringen, dem das Benzin ausgeht, nicht mit einem so produktiven Künstler. Fearless (Taylor’s Version) ist das zweitbestverkaufte Album des Jahres – das einzige, was es vom Spitzenplatz hält, ist ihr eigenes Evermore. (Genau wie Paul McCartney im Jahr 1976 – die Beatles-Compilation Rock and Roll Music wurde in den Charts auf Platz zwei blockiert und blieb hinter Wings at the Speed ​​of Sound hängen.)

Aber das ist das Erstaunliche an Red (Taylor’s Version) – es ist eine Hommage an ihre weite Reise, aber es macht Sie noch gespannter darauf, wohin sie als nächstes geht. Dies ist das goldene Zeitalter von etwas Gutem und Richtigem und Echtem. Und für Swift fängt das goldene Zeitalter erst richtig an.

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